cuarto oscuro
"Como es arriba, es abajo; como es abajo, es arriba. Como es adentro, es afuera; como es afuera, es adentro."
REVELACIONES
Aprender a mirar de nuevo
Aprender a mirar de nuevo
La cámara no ve, traduce lo que tú miras A veces creo que la fotografía no se trata de mirar más, sino de mirar mejor.
De aprender a quedarte quieta frente a lo obvio, hasta que lo invisible se revele. Vivimos saturados de imágenes.
Todo está diseñado para que mires rápido, para que no te detengas.
Pero la verdadera fotografía sucede cuando la mirada se ralentiza.
Cuando observas un reflejo en la taza de café, una sombra en la pared, una arruga nueva en tu rostro,
y entiendes que eso también es una historia.
El ojo se entrena como un músculo
No con cámaras nuevas, sino con curiosidad.
Cada día intento mirar algo como si fuera la primera vez:
la luz que cae sobre una silla, el vapor que sale de una olla, el rostro de alguien que amo.
No hace falta viajar lejos para encontrar belleza:
solo hace falta cambiar la forma en que miras lo cerca. 📸 → Esta es la cámara ligera que llevo siempre encima (afiliado Amazon)
🕯️ → Mi cuaderno visual donde anoto lo que observo cada día (afiliado Amazon)
Lo técnico viene después
Cuando la emoción aparece, la técnica se ordena sola.
La luz, el enfoque, la exposición… todo se ajusta al servicio de lo que sientes.
Por eso me gusta enseñar fotografía desde el cuerpo, no desde los botones. 🎓 → Curso de fotografía creativa
💬 → Sesión 1:1 para entrenar tu mirada y encontrar tu voz visual
Mirar también es sanar
Fotografiar se parece mucho a meditar.
A veces disparo no para guardar una imagen, sino para entender algo.
El acto de mirar con atención es una forma de volver al presente,
de reconciliarme con lo que soy.
La cámara no es una máquina para producir belleza.
Es un espejo que te devuelve tu forma de estar en el mundo.
Y cuando aprendes a mirar de nuevo, todo —absolutamente todo— se vuelve materia fotográfica.
Energía creativa: cómo cuido mi cuerpo para seguir creando
Energía creativa: cómo cuido mi cuerpo para seguir creando
Siempre he pensado que la creatividad también se entrena.
No solo con ideas, sino con energía.
Porque el ojo no ve igual cuando estás agotada, ni el cuerpo responde igual cuando llevas horas editando, grabando o cargando equipo bajo el sol.
Mi trabajo —como fotógrafa, creadora y profesora— exige presencia.
Estar. Observar. Escuchar.
Y para eso necesito un cuerpo que acompañe al ojo, no que lo arrastre.
Desde hace meses, he empezado a cuidar mi energía con más conciencia.
No desde la exigencia, sino desde el ritual.
Desayuno tranquilo, luz suave, cámara cerca y —últimamente— los suplementos de Be Levels, que me ayudan a mantener ese equilibrio entre enfoque, claridad y descanso.
🧠 → Be Levels Focus me ayuda a concentrarme en los días largos de edición.
🌙 → Be Levels Relax me acompaña por las noches, cuando quiero que la mente suelte la lista infinita de pendientes.
💪 → Be Levels Vital es mi ritual de mañana antes de salir a fotografiar.
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No lo pienso como “tomar suplementos”, sino como una forma más de mantener viva la cámara interior:
esa que observa, que siente, que traduce el mundo en imágenes.
Cuidar mi energía es cuidar mi mirada.
Y entender que crear también es un acto físico.
📷 Si estás en ese punto en que la inspiración va más rápido que tu cuerpo, quizá te pase lo mismo que a mí:
crear no se trata solo de producir, sino de sostenerse.
✨ Usa mi código BEBOFI en Be Levels para probar lo que a mí me ha cambiado mi ritmo de trabajo y descanso.
De pasión a profesión: convierte tu pasión y hobbies en dinero
De pasión a profesión: convierte tu pasión y hobbies en dinero
Empezamos por el principio: ¿qué haces cuando algo que amas ocupa cada vez más espacio en tu vida?
Cuando fotografiar, escribir, cocinar, editar vídeos o diseñar ya no es solo un pasatiempo, sino una necesidad interior.
La pregunta surge inevitable: ¿puedo vivir de esto? La respuesta es sí, pero no sucede de la noche a la mañana.
Convertir tu pasión en profesión es un proceso: requiere estructura, constancia y una mezcla de amor y estrategia.
1. Aprende a ponerle valor a lo que haces
Lo que para ti puede parecer “solo una foto”, para otros puede ser un recuerdo imborrable, una pieza de arte o el branding de su empresa.
Cuando reconoces el valor de tu mirada, dejas de regalar tu tiempo. 📷 Si lo tuyo es la fotografía, empieza por aprender a crear con intención:
→ Curso de fotografía creativa
2. Construye un espacio donde mostrarte
Nadie va a descubrirte si no compartes tu trabajo.
Un blog, un perfil de Instagram, una web sencilla: lo importante es que tengas un lugar que funcione como escaparate.
No necesitas lo último en tecnología, solo herramientas básicas que te den constancia. 💻 → Mira este disco duro portátil para guardar todos tus proyectos (afiliado Amazon)
🖋️ → Agenda creativa para planificar tu proceso (afiliado Amazon)
3. Diversifica: no pongas todos los huevos en la misma cesta
Monetizar tu pasión no significa depender de un solo ingreso.
Puedes ofrecer servicios (fotografía, diseño, sesiones), productos digitales (ebooks, presets, cursos), colaboraciones con marcas o incluso afiliados. 🌿 Ejemplo real: en mi propio camino combino
– Cursos online
– Mentorías individuales
– Sesiones 1:1
– Afiliados con mis herramientas favoritas 👉 Mentoría individual para proyectos creativos
4. Equilibra arte y negocio
La parte difícil no es crear, sino sostenerse.
Aprende lo justo de gestión, facturación y organización para que tu pasión no se convierta en caos.
El dinero no mata la creatividad: le da espacio para crecer sin miedo. 📚 → Libro recomendado sobre freelancing y creatividad (afiliado Amazon)
Transformar tu pasión en profesión no es un salto al vacío, es un puente.
Un puente hecho de confianza, estrategia y amor por lo que haces.
Y lo más bonito: en ese camino no pierdes tu hobby, lo expandes.
Revelar no pasa de moda
REVELAR NO PASA DE MODA
El cuarto oscuro sigue latiendo en pleno siglo XXI
En un mundo que corre hacia lo instantáneo, revelar fotografía analógica es un acto de resistencia.
Es elegir la lentitud.
Es aceptar que la magia no está en el “clic” inmediato, sino en el tiempo de espera, en el silencio húmedo del cuarto oscuro, en el olor químico que marca el inicio de un ritual.
Revelar no es nostalgia, es presente.
Es el modo más físico de recordar que la imagen no es solo luz: también es materia.
Un negativo se toca, se cuida, se cuelga con pinzas como si fuera ropa limpia secándose al sol.
Lo bello es que revelar no necesita un laboratorio enorme ni máquinas industriales.
Hoy basta con unos pocos objetos que convierten tu casa en un templo de luz y sombra:
🧪 → Líquido fijador
Cada vez que sumerjo el papel en el revelador, siento que estoy participando de algo ancestral. Como si millones de fotógrafos a lo largo del tiempo hubiesen repetido el mismo gesto, confiando en que la imagen aparezca.
Revelar es también una metáfora: todo lo que importa en la vida necesita oscuridad, paciencia y cuidado antes de ver la luz.
📷 Si quieres aprender a mirar y crear con este espíritu lúdico:
→ Mi curso de fotografía creativa
→ Sesiones 1:1 para explorar tu estilo con objetos y luz
Qué hacer y no hacer cuando disparas una fotografía
Qué hacer y no hacer cuando disparas una fotografía
Pequeñas reglas invisibles que sostienen la magia Disparar una foto parece un gesto sencillo: apretar un botón.
Pero detrás de ese clic hay un mundo entero: la emoción, la mirada, la luz, la técnica.
Con los años he aprendido que no hay recetas universales, pero sí gestos que ayudan y errores que conviene evitar.
Lo que sí hacer ✦
Respira antes de disparar
La calma se nota en la imagen. Una respiración profunda puede ser la diferencia entre una foto tensa y una foto viva. Observa la luz antes que la cámara
Mira dónde entra, cómo se refleja, qué sombras dibuja. La cámara solo traduce lo que tus ojos ya han visto. Acércate más de lo que crees
Muchas veces la foto pide proximidad, detalle, confianza. No te quedes lejos por miedo. Juega con lo que tienes
Un espejo, un vaso, un reflejo en el cristal. La creatividad empieza cuando dejas de esperar condiciones perfectas. Dispara de más, pero elige de menos
Haz muchas fotos, pero muestra solo las que realmente hablan. La edición es parte del lenguaje.
Lo que no hacer ✦
No te obsesiones con la técnica
La perfección técnica sin emoción es solo un archivo correcto. La imperfección a veces cuenta más. No copies lo que ya viste
La comparación mata la voz propia. Inspírate, sí, pero recuerda: nadie más ve el mundo como tú. No ignores el fondo
Una escena puede arruinarse por un detalle detrás. Mira más allá del sujeto, cuida el entorno. No dispares con prisa
La foto también es un acto de espera. Lo que buscas puede aparecer un segundo después. No tengas miedo a borrar
Guardar todo genera ruido. Quédate con lo que realmente sostiene tu visión.
📸 Para estas prácticas, no necesitas un arsenal de equipo, solo lo esencial bien elegido:
→ Mi cámara ligera y versátil favorita (afiliado Amazon)
→ Un 35mm luminoso para capturar emoción (afiliado Amazon)
→ Un trípode sencillo para autorretratos y calma (afiliado Amazon)
La fotografía es un equilibrio: entre control y entrega, entre lo que sabes y lo que no puedes prever.
Y esas pequeñas decisiones —qué hacer y qué no hacer— son lo que termina dibujando tu mirada.
Dalí y Gala: un pacto de arte, amor y misterio
Visitar el castillo de Púbol es entrar en un hechizo.
Las paredes guardan un silencio extraño, como si cada piedra hubiese escuchado secretos demasiado grandes para contarse en voz alta.
Ese castillo no era solo un refugio: era un pacto.
Dalí regaló a Gala este lugar como quien entrega un altar. Pero no era un regalo cualquiera: le prometió que no entraría sin su permiso escrito. El genio del surrealismo, el hombre que se creía eterno, se arrodillaba ante la figura de Gala como si fuese sacerdotisa y oráculo.
En esas estancias todavía se percibe lo esotérico, lo ritual, lo oculto.
Dalí y Gala no vivieron el arte como un oficio, sino como una religión secreta.
Se rodeaban de símbolos, tarot, astrología, alquimia, sueños y obsesiones místicas. Creían en el poder de las imágenes como portales, como llaves.
Gala, tan enigmática como un arcano mayor, era más que musa: era médium, estratega, sacerdotisa de ese universo surrealista. Dalí decía que sin ella no habría sido Dalí. Que era su guía, su obsesión, su espejo.
Ella lo anclaba en la tierra y a la vez lo empujaba al abismo.
Caminar por el castillo es recorrer un escenario de devoción esotérica:
espejos que parecen puertas a otros mundos, muebles cargados de símbolos, jardines que aún susurran bajo las sombras.
Todo habla de un amor que fue también una conspiración artística y espiritual.
📸 Cuando fotografío estos espacios, siento que no estoy haciendo un simple registro documental.
Es como si cada encuadre fuese una invocación: el intento de atrapar la energía de dos seres que convirtieron su vida en obra de arte total.
Dalí y Gala vivieron entre la frontera del arte y la magia.
Y en Púbol, ese límite todavía arde en las paredes.
La fermentería Coxala
Esta semana he visitado la fermentería más guay del mundo: Coxala.
Un espacio que parece construido a contratiempo de lo que solemos vivir: sin prisas, sin atajos, sin maquillar procesos. Allí el tiempo manda, y lo humano se adapta a él, no al revés.
Entrar en la fermentería es entrar en otra lógica. Los frascos respiran despacio, las burbujas suben como si fueran relojes diminutos marcando un ritmo distinto. Todo está vivo y, sobre todo, todo está cuidado.
Probé su ginger beer y entendí que no era solo bebida. Era la condensación de muchas decisiones invisibles: elegir bien los ingredientes, dejar que la fermentación haga lo suyo sin forzarla, escuchar lo que pide el proceso. El resultado es fresco, saludable y con carácter, pero lo que realmente impacta es sentir que se ha hecho con cariño.
Detrás de todo está el padre del proyecto, una persona visionaria que piensa en círculo, no en línea recta. Habla de naturaleza, de entorno, de comunidad. Para él no se trata solo de fermentar, sino de encontrar maneras de que cada gesto sea sostenible y, a la vez, nutritivo para el mundo que le rodea. Nada se desperdicia, nada se exprime. Todo vuelve.
Y pensé: qué diferente sería todo si trabajáramos con esa filosofía.
Porque la forma en la que hacemos las cosas pesa tanto como el resultado. Puedes llegar a una foto, a un texto, a un proyecto creativo, de muchas maneras. Hay un camino rápido, atropellado, que agota y deja residuos. Y hay otro lento, atento, circular, donde lo que construyes nutre algo más grande que tú.
Me traje una certeza: no se trata de correr, se trata de escuchar al proceso.
De respetar los tiempos.
De no buscar atajos que nos dejen vacíos.
La fermentación me recordó que la vida también es eso: un proceso que burbujea a su ritmo, que necesita paciencia, constancia y un poco de fe en lo invisible.
Y cuando las cosas se hacen con mimo, se nota.
En el sabor, en la energía, en la huella que dejan.
Las visitas…
Vivir fuera es habitar una frontera invisible. Estás dentro de una nueva vida, pero al mismo tiempo lejos de la que conocías. Te acostumbras a otras calles, a palabras que se pronuncian distinto, a rutinas que se van pegando poco a poco a tu piel. Y, de repente, llegan las visitas.
Una visita no es solo alguien que cruza un mapa para verte. Es un acontecimiento que reordena la casa, el ánimo y hasta la manera en la que miras tu ciudad. De pronto, los lugares que ya dabas por cotidianos se convierten en escenario. Enseñas el mercado donde ya te saben el nombre, el café al que siempre vuelves, la esquina que a ti te parece sin importancia pero que con sus ojos cobra una belleza nueva.
Las visitas también traen algo que no se puede medir: traen olor a casa, risas que no necesitan explicación, acentos que te colocan de golpe en tu punto de partida. Traen la certeza de que aunque hayas cambiado de lugar, lo esencial sigue intacto. Y al mismo tiempo, funcionan como espejo: al ver tu vida a través de ellos te das cuenta de lo que ya no te duele, de lo que ya no echas de menos, de lo que ahora te importa de verdad.
Después viene la despedida. Y con ella, ese eco extraño que se queda flotando cuando la puerta se cierra. La casa parece más grande, el aire suena distinto, el silencio tiene otro peso. Pero en ese vacío también hay una certeza: que las visitas confirman el movimiento. Que vivir fuera significa sumar de otra manera, con huecos y con presencias alternándose como estaciones.
Y pienso que, al final, las visitas son capítulos que marcan el tiempo. Son un recordatorio de que la distancia no solo separa, también acerca. Porque cada vez que alguien cruza medio mapa para estar contigo, el hogar se vuelve portátil y cabe, por unas horas o por unos días, en las personas.
Lo que la luz de invierno me enseñó sobre la paciencia
Lo que la luz de invierno me enseñó sobre la paciencia
La belleza se mueve más despacio cuando hace frío En invierno, la luz no grita. Susurra.
Se mueve baja, lateral, acariciando las superficies como si dudara en irse.
Y para fotografiarla, hay que moverse igual: más despacio, más atento. Aprendí que en invierno la foto no se toma: se espera.
Que las sombras se alargan y dibujan mapas invisibles.
Que el blanco de una pared puede volverse oro cuando el sol se inclina. Mi kit de invierno es mínimo, porque el frío no perdona:
📷 → Cámara ligera pero resistente a bajas temperaturas (afiliado Amazon)
📸 → Guantes finos para manejar la cámara sin congelarme (afiliado Amazon)
☀️ → Reflector dorado pequeño para calentar tonos (afiliado Amazon) La paciencia de la luz invernal me enseñó que la belleza no se fuerza.
Se acompaña, se observa… y solo entonces, se captura.
El poder de una sola imagen para contar una historia
El poder de una sola imagen para contar una historia
Una buena foto es una novela de un solo párrafo En un mundo de ráfagas infinitas, a veces olvido que una sola imagen puede contenerlo todo.
El tiempo, el clima, el olor de una calle, la emoción de un instante. Una buena foto no es solo bonita. Es precisa. Tiene todo lo necesario y nada más.
Como La joven de la perla de Vermeer o esa foto antigua de tus abuelos que aún guarda el temblor de sus manos. Cuando busco contar una historia en una imagen, me concentro en tres cosas: La luz – cómo acaricia o atraviesa la escena. El gesto – ese instante exacto en que algo se revela. El contexto – los detalles que sostienen la narrativa. Para esos momentos, necesito la máxima calidad con el mínimo equipo:
📷 → Mi cámara con sensor full frame para capturar todos los matices (afiliado Amazon)
🎯 → Mi objetivo 35mm f1.8 para narrar con cercanía (afiliado Amazon) Una imagen puede contener una vida entera.
La pregunta es: ¿sabrás reconocerla cuando aparezca?
El arte de fotografiar cuando no tienes inspiración
El arte de fotografiar cuando no tienes inspiración
Cuando el ojo está dormido, la cámara puede despertarlo Hay días en los que la cámara pesa más de lo habitual.
No porque sea más grande, sino porque no sabes a qué apuntarla.
La inspiración se esconde.
Te miras dentro y solo encuentras ruido. Pero la fotografía no siempre nace de la chispa.
A veces nace de la disciplina suave de salir aunque no haya ganas.
De disparar sin expectativas.
De dejar que el mundo, poco a poco, vuelva a abrirse. En esos días, me llevo lo mínimo:
📷 → Mi cámara ligera de “modo paseo” (afiliado Amazon)
📸 → Un objetivo fijo luminoso que siempre me salva (afiliado Amazon) Salgo a la calle sin buscar nada y, de repente, aparecen las pequeñas cosas:
la luz que se cuela entre dos edificios, un reflejo en un charco, un perro que espera junto a una puerta.
La inspiración no siempre llega antes de salir.
A veces está fuera, esperándote.a
4 películas que moldearon mi ojo fotográfico
De la infancia soñada al blanco y negro inquietante Siempre he sentido que la fotografía y el cine se dan la mano en la penumbra.
Ambas son formas de atrapar lo invisible.
Estas 4 películas no solo me han inspirado como espectadora, sino que han cambiado mi forma de encuadrar, de usar el color, de escuchar los silencios.
1. Moonrise Kingdom – Wes Anderson
Un verano detenido en ámbar.
La paleta de colores más suave y precisa que he visto en una pantalla. Wes Anderson me enseñó que cada objeto en el encuadre es un personaje, que el color no adorna: habla.
Su manera de trabajar la simetría me recordó que la composición fotográfica también puede ser un juego milimétrico sin perder poesía.
Cuando edito una foto con tonos cálidos y melancólicos, hay algo de Moonrise Kingdom respirando ahí.
2. Donde viven los monstruos – Spike Jonze
Esta película es la infancia salvaje y vulnerable en su forma más pura.
La luz dorada, las sombras profundas, el viento en los paisajes abiertos… todo parece contado desde la altura de un niño que se atreve a mirar a lo grande.
Me inspira a fotografiar desde el cuerpo, a moverme, a ensuciarme, a buscar perspectivas bajas, a dejar que el aire entre en la imagen.
La emoción no está solo en los personajes, sino en cómo la cámara acaricia el mundo que habitan.
3. La novia cadáver – Tim Burton
Oscura, melancólica y hermosa.
Me recuerda que la ausencia de color puede ser tan poderosa como su exceso.
La novia cadáver me enseñó a no temer a la penumbra, a encontrar belleza en los huesos, en las sombras, en lo inacabado.
Cada vez que trabajo en blanco y negro, pienso en cómo Burton da vida a personajes que parecen frágiles pero que arden por dentro.
4. The Trial – Orson Welles
Un laberinto de luces y sombras, de geometrías imposibles.
Es cine que se siente como un sueño incómodo y fascinante.
Sus planos alargados, sus encuadres oblicuos y su iluminación expresionista me inspiran para experimentar en fotografía con perspectivas poco convencionales y contrastes extremos.
De The Trial aprendí que a veces la incomodidad visual también es un lenguaje.
🎥 La fotografía cinematográfica es una escuela silenciosa: ver, analizar, absorber.
Estas películas son mi recordatorio de que cada imagen puede ser una historia, que el encuadre es un universo y que la estética también es emoción.
📸 Si quieres aprender a trasladar esta inspiración cinematográfica a tu forma de fotografiar:
→ Mi curso de fotografía creativa
→ Sesiones individuales 1:1 para trabajar tu estilo
✴︎ THE COVENS TABLE ✴︎
✴︎ THE COVENS TABLE ✴︎
Un altar cotidiano para brujas modernas, alquimistas de la cocina y amantes del ritual
Este proyecto nació una vez que entendí que cocinar también puede ser un acto de magia.
Que un cuenco humeante puede ser un hechizo.
Que el fuego lento puede abrir portales.
Y que hay una parte de nosotras —intuitiva, ancestral, poderosa— que despierta cuando mezclamos ingredientes con intención.
THE COVENS TABLE es mi refugio sagrado donde se cruzan muchas de mis pasiones:
la fotografía, la alquimia de los alimentos, la poesía de los gestos cotidianos, la estética de lo simple y lo ritual.
Es una mesa invisible donde caben todas:
la que hace pan con las manos,
la que enciende una vela para escribir,
la que prepara un desayuno como si fuera un conjuro,
la que mezcla cacao con canela y se lo bebe en silencio.
Aquí se honra lo intuitivo, lo imperfecto, lo íntimo.
🌿 Comparto recetas que más que recetas son invocaciones comestibles
📷 Fotografías de ingredientes como si fueran personajes sagrados
✨ Objetos bellos y útiles que pueden formar parte de tu altar-cocina: morteros, infusores, cuchillos de otro siglo, cuadernos para recetas-ritual...
🔮 [→ Muy pronto compartiré aquí mis objetos favoritos para brujas de cocina (afiliado Amazon)]
📜 [→ Y si quieres ser de las primeras en volver a la mesa, puedes suscribirte aquí o seguirme en Instagram: @thecovenstable]
Porque no hay nada más poderoso que una mujer en su cocina, encendida por dentro, sosteniéndose con belleza.
Mi estudio portátil: todo lo que cabe en una mochila creativa
3. Mi estudio portátil: todo lo que cabe en una mochila creativa
Palabras clave: mochila para equipo fotográfico, trípode ligero, fotografía natural en exteriores
Mi estudio cabe en una mochila. No uso focos, ni flashes, ni cajas de luz. Trabajo casi exclusivamente con luz natural, así que lo que llevo siempre conmigo es una especie de kit poético de campo, por si aparece la magia.
🎒 Lo esencial en mi mochila creativa:
Una mochila cómoda y resistente, que me permita moverme ligera y sin miedo a golpes
Un trípode plegable y estable para autorretratos o fotos más pensadas
Un disparador remoto para que pueda hacer fotos sin depender de nadie
Un reflector 5 en 1, que uso sobre todo el blanco y el dorado para jugar con la luz solar
Porexpan blanco pequeño o cartón pluma, por si necesito rebotar luz de forma sutil
Con eso, puedo montar una sesión en una terraza, una escalera, un parque, una esquina con buena sombra. La luz natural cambia, respira, se mueve. Y eso me obliga a estar presente. A observar. A dejar que la escena me diga cómo quiere ser contada.
👜 → Aquí puedes ver todo lo que uso en mis sesiones (afiliado Amazon)
🎓 Y si quieres aprender a hacer fotos poéticas solo con la luz del día: → Mi curso de fotografía te enseña a mirar con los ojos bien abiertos
Cómo hacer autorretratos con alma (aunque estés sola en casa)
4. Cómo hacer autorretratos con alma (aunque estés sola en casa)
Palabras clave: autorretratos creativos, cómo hacer fotos sola, fotografía emocional en casa
Muchos de los retratos que ves en mi web los hice sola, en casa. Sin asistente. Sin estudio. Sin alguien que me dijera si estaba bien encuadrada.
Hacer autorretratos es uno de los ejercicios más potentes que conozco. No solo para aprender fotografía, sino para conocerte, explorarte, cuidarte. Es como escribirte una carta con luz.
🔍 Mis aliados para autorretratarme:
Trípode ligero (básico)
Disparador remoto por bluetooth
Espejo grande o pequeño para componer
Tela blanca o cortina para tamizar la luz
No necesitas grandes decorados. Solo tiempo, curiosidad, y mirarte con ternura.
📍 → Todos los materiales que uso están aquí (afiliado Amazon)
Y si quieres profundizar: 🎓 → En mi curso hay un módulo entero de autorretratos
Para quienes no cabemos en una sola etiqueta 🌪️✨
Hoy quiero contarte algo muy personal que llevo tiempo sintiendo y que, quizá, a ti también te pase.
Últimamente me he dado cuenta de lo difícil que es definirme. No porque no me conozca, sino porque me apasionan demasiadas cosas. Y no es un defecto, pero a veces lo siento como una contradicción interna. Me cuesta centrarme en un nicho, en una disciplina concreta. Porque me gusta hacer fotos, sí… pero también me fascina la electricidad, la fontanería, la mecánica, la pintura, las ideas locas, el cine, la astrología, las matemáticas, la arqueología, la ingeniería social y montar negocios.
Y claro, cuando alguien intenta “encasillarte” en una categoría clara y concreta… se complica. Porque la gente necesita etiquetas fáciles, necesita saber de qué vas. Pero, ¿y si no vamos de algo, sino de muchas cosas a la vez? ¿Y si no encajamos porque estamos dibujando nuestro propio mapa?
Durante mucho tiempo me frustré por no tener una sola identidad profesional, por no construir una imagen sólida, reconocible, vendible. Pero ahora empiezo a entender que esa supuesta dispersión es, en realidad, mi fuerza. Y quizá también sea la tuya.
Somos una mezcla de todo lo que nos emociona. Y eso se ve en nuestras fotos, en nuestros textos, en nuestras ideas, en los proyectos que montamos, en cómo miramos el mundo. La coherencia, al final, no tiene que venir de fuera. Tiene que tener sentido para ti.
Y si tú también sientes que eres muchas cosas, que te cuesta encajar, que amas demasiados temas y que a veces parece que no hay un solo camino... te abrazo fuerte. Porque ese es el lugar donde nace la verdadera creatividad.
Y ese es también el espíritu de EL CAMPAMENTO y de mi curso de fotografía: no enseñarte a ser alguien más, sino ayudarte a descubrir cómo todo eso que ya eres puede volcarse en tus imágenes y en tu forma de expresarte.
¿Y si tu proyecto creativo no necesita un logo, sino una dirección interior?
Hay algo que me da mucha pena ver: proyectos bellísimos con webs preciosas, colores armoniosos, logotipos perfectos… pero vacíos por dentro.
¿Por qué ocurre? Porque muchas veces se empieza la casa por el tejado.
Antes del logo, antes del feed, antes del eslogan, tiene que haber una verdad.
Una voz que diga: esto es lo que me quema por dentro.
Esto es lo que necesito compartir.
Esto es lo que me atraviesa.
El branding emocional no se diseña, se revela.
Y esa revelación no siempre ocurre sola. A veces necesitas a alguien que te acompañe a mirar con más claridad.
Eso es lo que hago en mis procesos de mentoría.
No te doy un manual. Te ayudo a encontrar lo que ya está.
A nombrarlo. A traducirlo. A estructurarlo con alma.
✨ → Si estás en un punto de inflexión con tu proyecto creativo, aquí tienes mi mentoría individual completa
🎯 → O puedes empezar por una sesión suelta de 60 minutos para resolver algo concreto: dirección, bloqueos, enfoque.
Porque lo que buscas no es una marca bonita.
Es una manera de habitar tu trabajo desde dentro.
Cosas que me hubiese encantado saber antes de publicar mi primera foto
Cosas que me hubiese encantado saber antes de publicar mi primera foto
Palabras clave: confianza creativa, mostrar tu trabajo, evolución como fotógrafa, sesiones 1:1
Publicar tu trabajo por primera vez da miedo.
Y lo peor es que nadie te prepara para lo que pasa después:
el silencio, la comparación, la autoexigencia brutal.
Si pudiera hablar con mi yo del pasado, le diría esto:
– No esperes que a todo el mundo le guste tu trabajo. Que no guste, a veces es buena señal.
– No borres fotos porque hoy ya no te representan. Esa imagen fue necesaria para llegar a la de ahora.
– Tu estilo no se encuentra, se cultiva. Requiere paciencia.
– Y sobre todo: tu valor como creadora no depende de un “me gusta”.
El mundo necesita voces auténticas. No perfectas.
📩 → Si estás en ese momento de duda, mis sesiones personalizadas 1:1 están diseñadas para ti: trabajamos juntas lo que tú necesites, desde el enfoque más práctico hasta lo más emocional.
🎓 Y si estás empezando y necesitas una guía completa, paso a paso, te invito a entrar en mi curso de fotografía: sin postureo, con alma, y con los pies en la tierra.
Cuando sientes que todo lo que haces ya está hecho
Cuando sientes que todo lo que haces ya está hecho
Palabras clave: bloqueo creativo, comparación en redes, inspiración artística, mentoría creativa
Hay días en los que lo veo todo repetido.
Fotos que me recuerdan a otras fotos.
Textos que suenan parecidos.
Ideas que ya no parecen mías.
Y entonces viene el miedo. El temido:
"¿Para qué seguir creando si ya está todo dicho?"
Pero he aprendido que esa sensación no es el final. Es un cruce.
Un lugar donde puedes decidir: apagarlo todo, o escucharte más fuerte.
El bloqueo creativo no siempre significa que has perdido la chispa. A veces es que te alejaste demasiado del fuego.
Cuando te comparas, cuando te llenas de referencias, cuando vives más en la pantalla que en el mundo real, tu energía se desordena.
¿Mi remedio? Volver al cuerpo. A lo que tengo cerca.
Hacer fotos a cosas pequeñas. Respirar. Escribir sin rumbo. No buscar ser brillante. Solo ser honesta.
🌿 → Si estás en ese punto, mi mentoría individual puede ayudarte a volver al centro. Trabajamos desde lo profundo: tu ritmo, tu historia, tus herramientas, tu manera de mirar el mundo.
📷 Y si sientes que te vendría bien reconectar desde la práctica, te invito a mi curso de fotografía creativa: con ejercicios que activan tu intuición y ejercicios para volver a mirar con intención.
La herramienta no hace al ojo, pero ayuda
Hace tiempo que la fotografía me pedía volver a lo esencial. Me cansé del ruido, de los ajustes infinitos, de las comparaciones técnicas. Volver a disparar con una lente de plástico sin enfoque automático ha sido como volver a escuchar mi voz interior sin filtros.
La lente pancake que estoy usando ahora —una de esas baratísimas, de enfoque fijo y construcción simple— no tiene nada especial. O eso parece. Porque cuando la montas en la cámara, todo cambia. No puedes hacer zoom. No puedes ajustar la apertura. No puedes corregir el mundo. Solo puedes mirar y confiar.
Y eso es liberador.
Me obliga a moverme, a acercarme, a respirar con el sujeto. A esperar el instante.
A cagarla y volver. A reencontrarme con lo que de verdad me enamoró de hacer fotos: la mirada viva, no la técnica muerta.
Este mes estoy usando esta lente para todo. Fotos casuales, autorretratos, planos poéticos. Y cada vez que reviso las imágenes, tienen ese punto de imperfección analógica que tanto busco.